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Le cadre qui fait la différence : comment choisir un cadre qui sublime une peinture de portrait sur commande

Une peinture de portrait sur commande passe par de nombreuses décisions : la photographie, la technique, la composition, les couleurs. On peut être tenté de voir dans le choix du cadre une simple question technique, à régler une fois le tableau terminé. Pourtant, le cadre est l’endroit où la peinture rencontre la pièce. C’est de lui que dépend l’impression que laissera le portrait : celle d’un élément de la maison, ou celle d’un objet accroché au mur.

Le Metropolitan Museum of Art de New York le dit en une seule phrase, dans un essai consacré aux cadres de la Renaissance italienne. Selon ses auteurs, les tableaux ont toujours dû vivre discrètement parmi des meubles d’une autre époque que la leur. C’est le cadre qui le leur a permis. Cette phrase contient l’essentiel de la réponse à la question du choix d’un cadre pour une peinture de portrait : il ne découle ni du tableau seul ni du canapé seul. Il est le lien entre les deux.

Le cadre est né comme une partie du mur

Selon le musée Getty, l’usage d’encadrer les œuvres de bordures en bois est apparu pour la première fois dans l’art italien vers le XIIIe siècle. Gene Karraker, qui était le restaurateur de cadres du musée, a expliqué que la fonction première du cadre était tout simplement de protéger la peinture. Ces premiers tableaux, généralement religieux, étaient intégrés à l’architecture de l’église. Leurs cadres reprenaient le plus souvent les moulures qui ornaient ses portes et ses fenêtres.

Le Met élargit le propos. Selon l’essai, les cadres des peintures étaient conçus comme une partie de l’espace architectural. Bien souvent, ils devaient s’harmoniser avec les encadrements des portes et des fenêtres. Leur couleur, leur forme et leur décor dépendaient de leur environnement au moins autant que de l’œuvre qu’ils contenaient.

Le tournant survient en 1423. Gentile da Fabriano présente alors un cadre indépendant, qui tient par lui-même. Le musée y voit un premier pas décisif vers la conception moderne du cadre : une structure faite pour accueillir une œuvre, et non une partie indissociable de celle-ci. Depuis, le cadre vit entre deux mondes, la peinture qu’il renferme et la pièce qui l’entoure.

Le portrait a reçu un cadre à lui

Le portrait, lui aussi, a trouvé sa propre forme. D’après le Met, les sujets profanes comme le portrait appelaient des cadres dépourvus de toute référence religieuse apparente. Le cadre « cassetta », « petite boîte » en italien, est devenu la forme dominante dans toute la péninsule italienne. À la différence du cadre à tabernacle, dont la forme s’inspirait des niches murales et des encadrements de fenêtres, la cassetta présente le même profil sur ses quatre côtés.

Le même essai livre un détail qui éclaire directement l’hésitation entre le bois naturel et l’or. Le noyer était plus rare et plus coûteux que les autres bois employés pour les cadres. Il servait aux cadres laissés sans dorure, et sa teinte profonde était très appréciée. Autrement dit, un cadre sans or pouvait être justement le choix le plus coûteux.

À chaque propriétaire son cadre

La suite paraîtra familière à quiconque a déjà refait la décoration de sa maison. Selon le Met, pendant la plus grande partie de l’époque moderne, un tableau perdait son cadre d’origine chaque fois qu’il changeait de propriétaire. Un nouveau cadre, mieux accordé à son nouvel environnement, prenait sa place. On changeait aussi souvent les cadres lorsque la décoration intérieure était renouvelée. Ce n’est qu’à la fin du XIXe siècle que musées et collectionneurs privés ont commencé à se soucier d’authenticité historique jusque dans le cadre lui-même.

Le Getty décrit le même phénomène du côté du propriétaire. Le style du cadre est devenu pour lui une façon d’apposer sa marque sur l’œuvre. Un particulier pouvait encadrer un tableau pour l’accorder à la décoration de sa maison. Un musée pouvait adopter un style unique, comme le musée national de Dresde, qui encadre ses tableaux dans un même style depuis le XVIIIe siècle.

Aux XVIIe et XVIIIe siècles, Paris a connu ce que le Getty appelle un âge d’or de l’art du cadre. La première exposition que le musée a consacrée aux cadres présentait des cadres des règnes de quatre rois de France, de Louis XIII à Louis XVI, comme un design français de « mobilier mural ». Le cadre est devenu une vitrine du savoir-faire, de l’invention, du goût et de la fortune. Ce sont les rois de France qui donnaient le ton.

L’expression « mobilier mural » résume toute l’idée. Le cadre appartient au mobilier tout autant qu’au tableau. Choisir un cadre est donc une décision de décoration intérieure.

Quand le cadre engloutit le tableau : les Iris de Van Gogh

L’accord avec le mobilier peut aussi échouer. Un exemple éclairant est arrivé au Getty avec Les Iris de Vincent van Gogh. Le musée a acheté le tableau à une collectionneuse new-yorkaise qui l’avait accroché dans sa salle à manger. Les murs de cette pièce étaient habillés d’un lourd lambris de noyer. Le cadre du tableau était assorti à ce décor.

Selon Karraker, il s’agissait de faire disparaître le tableau dans son environnement. Hors de cette pièce, dans une galerie, cela n’avait plus aucun sens. Le cadre qui entoure aujourd’hui Les Iris est italien et date du XVIIe siècle. Les conservateurs ont estimé qu’il complète l’œuvre.

C’est une leçon nette pour qui assortit un cadre au mobilier. Un cadre qui copie la pièce risque d’y faire disparaître le tableau. Karraker affirme certes qu’un cadre qui fait bien son travail disparaît. Mais le Getty précise ce qui doit se voir à sa place : le spectateur doit remarquer l’œuvre, et non le cadre. Le cadre s’efface devant le tableau. Le tableau ne s’efface pas devant la pièce.

Le cadre blanc : les peintres prennent la décision en main

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, de plus en plus de peintres se mettent à dessiner des cadres pour leurs propres œuvres. D’après le Getty, Edgar Degas esquissait de tels modèles et choisissait souvent un cadre blanc. Les impressionnistes ont fait de même lors de leur première exposition. Ils marquaient ainsi l’écart entre leur peinture d’avant-garde et les œuvres, conservatrices pour la plupart et encadrées d’or, des Salons officiels. À la fin du siècle, l’or est revenu à la mode, mais avec un décor minimal.

Karraker raconte ce qu’il est advenu de ce choix. Lorsque de très riches Américains ont commencé à acheter des œuvres impressionnistes, ils voulaient que leurs collections paraissent plus importantes. C’est pourquoi, selon lui, l’œil s’est habitué à voir ces tableaux dans des cadres dorés très ornés. Il ajoute que ce n’est sans doute pas ce que l’artiste aurait voulu.

Un portrait, un cadre et une pièce entière

James McNeill Whistler a peint Christina Spartali, beauté anglo-grecque, vêtue d’un kimono japonais. La Princesse du pays de la porcelaine a été peinte en 1864 comme tableau d’exposition, puis présentée l’année suivante au Salon de Paris. Elle n’était pas destinée, à l’origine, à un lieu précis.

Whistler en a lui-même dessiné et décoré le cadre. Le catalogue de ses peintures à l’université de Glasgow le range parmi les plus beaux et les plus complexes de ses cadres. Sa frise porte des médaillons mon japonais, ses angles des chrysanthèmes stylisés et son bord intérieur une grecque. On pense qu’il n’a jamais quitté le tableau depuis 1864. Les médaillons japonais du cadre et le kimono du tableau parlent la même langue.

L’armateur britannique Frederick Leyland a acheté le tableau et l’a accroché au-dessus de la cheminée de sa salle à manger. L’architecte Thomas Jeckyll avait réaménagé cette pièce pour y présenter la collection de porcelaines chinoises bleu et blanc de Leyland. Whistler a proposé de modifier les couleurs de la pièce, ce qui, disait-il à Leyland, s’accorderait mieux avec la palette du tableau. De ces modestes changements est née une pièce entière. Whistler a couvert les murs, les volets et le plafond de motifs de paons. Ainsi est née Harmony in Blue and Gold: The Peacock Room.

Dans cette pièce, le tableau encadré a reçu un second cadre. Selon le catalogue de Glasgow, des étagères décoratives ont été conçues tout exprès pour l’entourer. Un cadre dans un cadre, l’un et l’autre autour d’un seul portrait. Charles Lang Freer a ensuite acheté la pièce entière. En 1904, il l’a fait transporter dans sa maison de Detroit et y a de nouveau accroché la princesse au-dessus de la cheminée. Elle y est restée lorsque la pièce a été installée en 1920 à la Freer Gallery of Art.

Rares sont ceux qui bâtiront une pièce entière autour d’un portrait. La leçon de Whistler vaut pourtant aussi pour une maison ordinaire : un cadre peut puiser dans le tableau une couleur ou un motif et les porter dans la pièce.

Trois critères de musée, et ce qu’ils disent du salon

Un article du Getty reprend, du livre de Karraker sur les cadres européens, trois critères pour accorder un cadre ancien à une œuvre : l’époque, le lieu d’origine et l’artiste. L’article affirme aussi que le cadre est une œuvre d’art à part entière, mais qu’il ne doit jamais éclipser le tableau ni prendre le dessus sur lui.

L’exemple hollandais montre comment ces critères jouent ensemble. Selon le Getty, les œuvres de Vermeer et de Rembrandt sont souvent présentées dans des cadres en bois simples et élégants. Les courbes du bois poli captaient la lumière des bougies dans une maison du XVIIe siècle. La simplicité est trompeuse : le bois était cher et difficile à obtenir, l’ébène en étant l’exemple le plus net. Les cadres français du XVIIIe siècle, eux, étaient chargés d’ornements et de détails.

Une peinture de portrait sur commande est une œuvre du présent. On peut donc traduire ces critères dans la langue de la maison. Dans cette traduction, l’époque est celle de la pièce où le tableau sera accroché. Le lieu d’origine est le style de la maison. L’artiste, c’est ce que réclame le tableau lui-même : ses couleurs, ses lignes et son fond. La lumière, comme le montre la maison hollandaise, est un quatrième critère qui ne compte pas moins que les trois autres.

Cadre, mobilier et couleurs de la pièce : cinq questions avant de décider

Cette histoire se traduit en cinq questions à se poser avant de choisir un cadre pour une peinture de portrait dans un lieu de vie ou de travail.

1. En quelle matière sont les portes, les fenêtres et les chambranles ? Bien des cadres, autrefois, devaient s’harmoniser avec les chambranles et les encadrements de fenêtres. Dans une maison où reviennent le bois naturel, le métal ou un blanc uni, la question est de savoir si le cadre du tableau doit prolonger ce matériau ou s’y opposer.
2. Le cadre du tableau copie-t-il le mobilier, ou fait-il le lien entre le mobilier et le tableau ? Les Iris, dans une salle à manger lambrissée de noyer, montrent ce qui arrive quand il copie.
3. Que dit le tableau lui-même ? Le cadre de Whistler reprend les motifs japonais du tableau. Les cadres plus simples des impressionnistes devaient, à leurs yeux, mieux compléter l’œuvre.
4. Comment la lumière tombe-t-elle sur le mur ? Le bois poli captait la lumière des bougies dans la maison hollandaise. Face à une grande fenêtre, certains choisissent une vitre traitée contre les reflets. Selon l’Institut canadien de conservation, ce type de vitre se remarque à peine lorsqu’on regarde le tableau à distance ordinaire.
5. La pièce est-elle appelée à changer ? Pendant la plus grande partie de l’époque moderne, on changeait les cadres quand la décoration intérieure était renouvelée. Le cadre est la partie que l’on peut faire évoluer avec la maison. Le tableau, lui, reste avec vous pour toujours.

Ces questions prolongent un travail d’accord qui commence avant le cadre. On peut commander un tableau dont la taille, la couleur ou le sujet sont adaptés à la pièce. Sur le lien plus large entre un portrait et un lieu de vie ou de travail, on peut lire l’article sur la peinture de portrait en décoration intérieure.

Ce que protège le cadre

L’Institut canadien de conservation souligne que l’encadrement relève autant du regard que de la conservation préventive. Il sert à la fois d’abri et d’appui au tableau, qu’on le déplace, qu’on le range ou qu’on l’expose. Sa solidité doit suffire à porter le tableau sans risque. Surtout, la couche picturale ne doit pas toucher directement la feuillure, ce rebord intérieur du cadre. Quant aux clous, ils n’ont pas leur place dans l’encadrement d’un tableau.

Le cadre peut également accueillir une vitre, en verre ou en acrylique. Pour l’institut, ce vitrage protège des accidents et rend l’ensemble un peu plus hermétique, ce qui limite la saleté, la poussière et la pollution de l’air. Il se justifie parfois pour une peinture dont la surface est très fragile. Lorsqu’il y a une vitre, elle doit rester à distance de la peinture, grâce à une cale d’espacement.

Selon l’institut, il arrive que l’artiste ait lui-même choisi ou réalisé le cadre d’origine, qui devient alors indissociable de l’œuvre. Bien des cadres livrent aussi de précieuses informations par leurs étiquettes, leurs inscriptions ou leurs estampilles. En voici un exemple : l’inscription gravée sur le cadre d’un des portraits de Jan van Eyck.

Pour le dessin et l’aquarelle, la situation est différente : un dessin sur papier est fait pour être accroché dans un cadre sous verre. Un portrait à l’aquarelle est fait pour être conservé sous verre. Le passe-partout et le choix du vitrage sont traités en détail dans l’article sur les trois techniques de dessin.

L’encadrement, une étape de la commande

Un portrait à l’huile est peint sur une toile fermement tendue sur un cadre de bois. C’est le cadre qui se trouve derrière la toile. Ce n’est pas le cadre décoratif qui entoure le tableau au mur.

Qui souhaite faire encadrer le portrait et le préparer pour l’accrochage peut s’adresser à n’importe quel encadreur proche de chez lui. Pensez à n’aller chez l’encadreur qu’une fois le tableau parfaitement sec. Cette remarque rejoint la règle de conservation de l’Institut canadien : peinture et vernis doivent avoir séché avant que le tableau n’entre dans son cadre. Il est conseillé de commencer par des simulations avec différents cadres, afin de juger les options d’encadrement sur le mur lui-même. En cas d’hésitation, on peut consulter la peintre avant même de se décider pour une peinture de portrait sur commande.

Questions fréquentes sur le cadre d’une peinture de portrait

Comment choisir un cadre pour une peinture de portrait ? Le musée Getty retient trois critères pour accorder un cadre : l’époque, le lieu d’origine et l’artiste. À la maison, ces critères deviennent des questions sur le tableau, sur la pièce et sur la lumière qui tombe sur eux.

Le cadre doit-il s’accorder au mobilier ou au tableau ? Aux deux, mais pas dans la même mesure. Le Met décrit des cadres conçus pour s’harmoniser avec les portes et les fenêtres. Le Getty décrit un cadre qui copiait le lambris d’une salle à manger au point que le tableau y disparaissait. Le cadre fait le lien entre le tableau et la pièce. Il ne doit pas éclipser le tableau.

Une peinture à l’huile a-t-elle besoin d’une vitre ? Pas nécessairement. Selon l’Institut canadien de conservation, une vitre peut renforcer la protection, et elle se justifie parfois pour une surface peinte très fragile. Si l’on en pose une, elle doit rester à distance de la peinture.

Quel cadre pour un dessin ou une aquarelle ? Un dessin sur papier est fait pour être accroché dans un cadre sous verre. Un portrait à l’aquarelle est lui aussi fait pour être conservé sous verre. Les deux techniques sont présentées plus en détail sur les pages des portraits dessinés et des portraits à l’aquarelle.

Quand faut-il encadrer une peinture à l’huile ? Une fois la peinture et le vernis secs. C’est la consigne de l’Institut canadien de conservation. Pensez à n’apporter le tableau chez l’encadreur que lorsqu’il est parfaitement sec.

Peut-on changer de cadre plus tard ? Oui. Pendant la plus grande partie de l’époque moderne, on changeait les cadres quand un tableau passait à de nouveaux propriétaires et quand la décoration intérieure était renouvelée. Un cadre choisi par l’artiste est un cas à part, puisqu’il fait partie de l’œuvre.

Peut-on recevoir une peinture de portrait sur commande déjà encadrée ? Non. Un service d’encadrement des portraits a fonctionné pendant longtemps, mais il a été arrêté, et l’encadrement relève désormais entièrement du client ou de la cliente.

Le mur, le tableau et le cadre

Une peinture de portrait sur commande commence par le visage d’une personne précise. C’est le cadre qui fait entrer ce visage dans la maison, dans le mobilier, dans les couleurs et dans la lumière. Bien choisi, un cadre pour une peinture de portrait n’attire pas le regard sur lui-même. Il permet au tableau de paraître né en même temps que le mur.

L’éventail des techniques et des styles se découvre dans la galerie de portraits. De là, le chemin est court jusqu’à la première décision, celle qui précède le cadre.

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